href="https://fonts.gstatic.com" crossorigin='anonymous' TECLAS Y CUERDAS. FUSIÓN Y PASIÓN: septiembre 2025

lunes, 29 de septiembre de 2025

En Tiempo Barroco

 

MUSICOS BARROCOS



La música barroca: clave de la evolución orquestal 🎶🎻

El período barroco (aprox. 1600–1750) marcó un antes y un después en la historia de la música. Fue una época de experimentación, esplendor artístico y consolidación de formas musicales que aún hoy siguen vivas en las salas de conciertos. Entre sus aportaciones más trascendentales se encuentra la creación de la orquesta moderna, tal y como la conocemos.


🌟 Rasgos fundamentales de la música barroca

El Barroco musical se caracteriza por:

  • Contrastes expresivos: dinámicas suaves y fuertes, solistas frente al tutti orquestal.

  • Bajo continuo: la columna vertebral armónica, ejecutado por clave, órgano o tiorba junto al violonchelo o contrabajo.

  • Ornamentación: trinos, mordentes y floreos que embellecen la línea melódica.

  • Nuevas formas: concierto, suite, ópera y cantata alcanzaron su madurez.

  • Nacimiento de la tonalidad: se consolidó el sistema mayor-menor, que aún rige gran parte de la música occidental.


🎼 El surgimiento de la orquesta barroca

Antes del Barroco, la música instrumental se interpretaba con pequeños conjuntos de cámara. Sin embargo, en el siglo XVII se configuró un grupo más amplio y organizado: la orquesta barroca.

  • Estaba compuesta principalmente por cuerdas (violines, violas, violonchelos, contrabajos).

  • Se reforzaba con instrumentos de viento-madera (flautas, oboes, fagotes) y metales (trompetas, trompas naturales).

  • El clave o el órgano llevaban el bajo continuo y dirigían la interpretación junto con el primer violín.

Este modelo sentó las bases para la orquesta clásica y sinfónica de siglos posteriores.


🎶 Johann Sebastian Bach (1685–1750): el genio arquitecto

Bach es considerado el gran arquitecto sonoro del Barroco. Su música combina la perfección técnica con una profunda espiritualidad.

  • En obras como los Conciertos de Brandeburgo, muestra la diversidad de combinaciones instrumentales, desde violines hasta trompetas.

  • Su dominio del contrapunto y el bajo continuo influyó decisivamente en la escritura orquestal posterior.

  • En la música sacra (como la Pasión según San Mateo) la orquesta barroca se integraba con coro y solistas en un lenguaje de gran expresividad.


🎵 Georg Friedrich Händel (1685–1759): el maestro del espectáculo

Händel supo llevar la música barroca a un plano de grandeza y teatralidad.

  • Sus oratorios (como El Mesías) son ejemplos de la integración de coro y orquesta para lograr un efecto monumental.

  • Fue pionero en la escritura de oberturas orquestales, que anticipaban el ambiente de la obra.

  • Introdujo innovaciones en la disposición instrumental, ampliando la importancia de los vientos y creando contrastes muy vivos.


🎻 Antonio Vivaldi (1678–1741): el poeta del violín

El compositor veneciano revolucionó el género del concierto.

  • Es autor de más de 500 conciertos, entre ellos la célebre colección Las Cuatro Estaciones, donde la orquesta ilustra fenómenos naturales como tormentas, cantos de pájaros o el frío invernal.

  • Estableció el modelo de concierto en tres movimientos (rápido – lento – rápido), que más tarde adoptaron Haydn, Mozart y Beethoven.

  • Dio un protagonismo inédito al violín solista, elevando la técnica instrumental a un nuevo nivel.


✨ Legado del Barroco en la orquesta moderna

La música barroca no solo consolidó la orquesta, sino que marcó un camino que los compositores posteriores siguieron:

  • La forma concierto de Vivaldi abrió la puerta a Mozart y Beethoven.

  • El contrapunto de Bach sigue siendo estudiado en conservatorios de todo el mundo.

  • La majestuosidad de Händel anticipó el oratorio romántico y la música coral sinfónica.

En definitiva, el Barroco fue la semilla de la sinfonía, el concierto y la ópera moderna. Sin Bach, Händel y Vivaldi, la historia de la orquesta sería muy distinta.


🎼 Conclusión

El Barroco fue mucho más que una época musical: fue la etapa en la que se gestó la idea de la orquesta como gran organismo sonoro. Gracias al ingenio de Bach, Händel y Vivaldi, la música adquirió una fuerza expresiva universal que aún hoy conmueve y emociona.


🎵 Sigue aprendiendo:

Escuchar una orquesta barroca es viajar al origen mismo de nuestra tradición musical, donde cada nota aún late con frescura y vitalidad.


Puedes escuchar nuestra versión de una pagina del barroco https://www.blogger.com/blog/post/edit/5200862566444611919/6911246710405510173

domingo, 28 de septiembre de 2025

La evolución de la guitarra

 


LA EVOLUCIÓN DE LA VIHUELA

La evolución de la guitarra española: del barroco al flamenco actual .

La guitarra española es, sin duda, uno de los símbolos culturales más reconocibles de nuestro país. Su sonido evoca desde antiguas danzas cortesanas hasta los acordes apasionados del flamenco. Pero, ¿Cómo llegó este instrumento a convertirse en lo que hoy conocemos? La respuesta se encuentra en un largo camino de transformación que abarca siglos de historia.


🌿 Los orígenes: vihuela y guitarra renacentista

En el Renacimiento, la vihuela era el instrumento de cuerda más popular en España. Su afinación y técnica eran similares a las del laúd, pero con un carácter propio que se adaptaba al gusto hispano.

A partir del siglo XVI, surgió la guitarra renacentista, con cuatro órdenes dobles de cuerdas, más sencilla y popular entre las clases medias. Su sonido ligero la convirtió en la compañera perfecta de canciones y danzas.


🎶 El barroco y la guitarra de cinco órdenes

Durante el Barroco (siglos XVII y XVIII) la guitarra evolucionó hacia los cinco órdenes. Este modelo fue ampliamente usado en España e Italia, y permitió una mayor riqueza armónica gracias a la técnica del rasgueado, que se convertiría en seña de identidad de la música española.

Compositores como Gaspar Sanz o Santiago de Murcia escribieron métodos y piezas que mostraban la versatilidad del instrumento, combinando acompañamiento popular con refinadas composiciones cortesanas.


🎼 El clasicismo y la llegada de las seis cuerdas

A finales del siglo XVIII y principios del XIX, la guitarra incorporó las seis cuerdas simples que conocemos hoy. Este cambio técnico permitió ampliar su registro y dotar al instrumento de mayor proyección sonora.

Fue la época dorada de grandes guitarristas y compositores como Fernando Sor, Dionisio Aguado o Mauro Giuliani, quienes elevaron la guitarra al ámbito de la música de concierto. Sus obras, llenas de virtuosismo, situaron al instrumento en los principales salones europeos.


🌍 El Romanticismo y la expansión internacional

En el siglo XIX, la guitarra española vivió un auge extraordinario. Gracias al trabajo de luthieres como Antonio de Torres, que perfeccionó la construcción de la guitarra moderna, el instrumento adquirió más volumen y resonancia.

Se convirtió en una voz privilegiada del Romanticismo, capaz de transmitir tanto delicadas melodías como pasiones desbordadas. En esta etapa, la guitarra se consolidó como un instrumento universal, presente en Europa y América.


💃 El flamenco: identidad y emoción

La unión de la guitarra española con el flamenco en Andalucía transformó para siempre su identidad. Más allá del instrumento clásico, la guitarra flamenca se convirtió en el corazón de un arte declarado Patrimonio Inmaterial de la Humanidad por la UNESCO.

Figuras como Ramón Montoya, Sabicas o Paco de Lucía llevaron el lenguaje del flamenco a nuevas dimensiones, fusionándolo con jazz, música clásica e incluso el rock.


🎵 La guitarra en el siglo XX y XXI

Hoy en día, la guitarra española sigue siendo un instrumento en constante evolución:

  • En la música clásica, con intérpretes como Andrés Segovia o David Russell, que expandieron su repertorio con transcripciones y estrenos de nuevas obras.

  • En la música popular, como compañera de cantautores, grupos de pop y fusiones contemporáneas.

  • En el ámbito académico, como herramienta pedagógica para la formación musical de miles de estudiantes.


✨ Conclusión

La guitarra española no es solo un instrumento musical: es un reflejo de la historia, la cultura y la creatividad de un pueblo. Desde la vihuela renacentista hasta el virtuosismo flamenco, ha sabido adaptarse a cada época sin perder su esencia. Su sonido sigue emocionando, traspasando fronteras y generaciones.







🎵 Sigue aprendiendo:

💡 Estos artículos forman parte de la serie didáctica sobre técnica, historia y pedagogía musical creada por Ángel García Benito.


sábado, 27 de septiembre de 2025

La Bandurría

 





Historia musical

La bandurria: de instrumento popular a patrimonio cultural español

La bandurria, con su característica silueta en forma de lágrima y su sonido brillante y ágil, es uno de los instrumentos más representativos de la tradición musical española. Sin embargo, su historia no siempre ha estado en primer plano. Durante siglos fue considerada un instrumento popular, ligado a la vida cotidiana, a la fiesta y al canto colectivo, pero hoy recupera un lugar relevante como parte del patrimonio cultural y como instrumento de concierto.

Orígenes

Sus raíces se remontan a la Edad Media, donde convivían diferentes cordófonos de plectro: laúd, vihuela, mandora. La bandurria fue poco a poco consolidando una afinación característica y un timbre muy reconocible, convirtiéndose en protagonista de rondallas, estudiantinas y agrupaciones de cuerda en España y América Latina.

El instrumento del pueblo

En los siglos XVIII y XIX, la bandurria se convirtió en compañera inseparable de celebraciones populares. Su volumen, versatilidad y facilidad de transporte la hicieron ideal para acompañar danzas, romances y coplas. A menudo se aprendía de manera oral, pasando repertorios de generación en generación.

Evolución hacia la profesionalización

El siglo XX marcó un punto de inflexión. La bandurria entró en los conservatorios y orquestas de plectro, desarrollando una técnica más elaborada y un repertorio académico. Luthieres especializados perfeccionaron su construcción, otorgándole mayor potencia sonora y calidad tímbrica.

La bandurria en el presente

Hoy, la bandurria vive un renacimiento. Conservatorios superiores la incluyen en sus planes de estudio, compositores escriben obras específicas y solistas la llevan a salas de concierto. Este instrumento, antaño humilde, es ahora embajador de la riqueza cultural española.

👉 Hablar de la bandurria es hablar de tradición, de transmisión oral, de familia y de raíces. Es un símbolo de cómo lo popular puede transformarse en arte universal.





jueves, 25 de septiembre de 2025

EMPIEZA DESDE CERO CON LA GUITARRA

LA GUITARRA



🎸 Cómo empezar a estudiar la guitarra: guía para principiantes

Aprender a tocar la guitarra es una de las experiencias más enriquecedoras que un amante de la música puede vivir. No importa la edad ni el estilo que te atraiga: lo importante es dar el primer paso con ilusión y con una base sólida. Aquí compartimos algunos consejos prácticos para comenzar tu camino guitarrístico con buen pie.

1. Elige la guitarra adecuada

El instrumento debe adaptarse a ti, no al revés:

  • Guitarra española: ideal para quienes se inician; cuerdas de nylon, sonido cálido y cómodo para los dedos.
  • Guitarra acústica: más brillante y con mayor volumen, perfecta para acompañar canciones.
  • Guitarra eléctrica: versátil, con amplificador, orientada a estilos modernos.

👉 Consejo: si eres principiante absoluto, la guitarra española es la mejor opción.

2. Aprende a conocer tu instrumento

Antes de tocar acordes complicados, dedica tiempo a:

  • Conocer las partes de la guitarra (caja, mástil, clavijero, trastes).
  • Afinar correctamente (con afinador digital o app).
  • Adoptar una postura cómoda para no forzar manos ni espalda.

3. Primeros pasos musicales

  • Empieza con ejercicios sencillos de digitación para coordinar mano izquierda y derecha.
  • Aprende los acordes básicos (Do, Re, Mi, Sol, La) y sus posiciones.
  • Practica con canciones fáciles que te motiven (mejor si son de 2 o 3 acordes).

4. Constancia sobre velocidad

Tocar rápido no es lo más importante al principio. Lo esencial es:

  • Ser constante (15–20 minutos diarios rinden más que 2 horas un día suelto).
  • Tocar despacio y limpio, sin ruidos indeseados.
  • Repetir hasta que la memoria muscular haga su trabajo.

5. Recursos que pueden ayudarte

  • Clases presenciales: contar con un profesor evita errores y acelera el aprendizaje.
  • Tutoriales online: buenos como complemento, pero cuidado con la técnica.
  • Métodos y partituras: libros progresivos que guían paso a paso.

6. Disfruta el proceso

La guitarra no se aprende de un día para otro. Cada acorde, cada canción y cada avance es un logro. Celebra los progresos y no te compares con nadie: la música es un camino personal.

🎶 Conclusión

Empezar a estudiar guitarra es abrir una puerta a la creatividad, la disciplina y la emoción. Solo necesitas un instrumento, tiempo y mucha ilusión. ¡Lo demás llega tocando!

CANON DE PACHELBEL A 4 MANOS


 https://youtu.be/wMCgePtQDao?si=KgjCiEinUML-JsTx

lunes, 22 de septiembre de 2025

ARIOSO DE BACH (OLESYA MISHUTCHENKO Y ÁNGEL BENITO)



El Arioso de Bach, nacido de una plegaria íntima, respira aquí con una luz nueva. La bandurria dibuja la voz que canta y el piano abre espacio, como si el tiempo se hiciera amable para escuchar. Amorem Resonarem —Olesya Mishutchenko y Ángel Benito— convierte silencio en promesa y cada nota en caricia. No buscan deslumbrar: buscan decir verdad. Y la encuentran en la sencillez, en el pulso compartido, en ese instante sereno donde la música nos reconoce, como en casa.

DÚO AMOREM RESONARE



🎼 Dúo Amorem Resonare: Música que habla sin palabras

Amorem Resonare es el encuentro entre dos mundos musicales que, a primera vista, podrían parecer distantes… pero que en el escenario dialogan como viejos cómplices.
La delicadeza pianística y vocal de Olesya Mishutchenko Smirnova se entrelaza con la sonoridad cálida y expresiva de la bandurria de Ángel Benito, creando una experiencia sonora única: íntima, elegante y profundamente emocional.

Formados y activos entre Ucrania y España, ambos artistas cuentan con una sólida trayectoria escénica, académica y pedagógica que se refleja en interpretaciones de cámara llenas de identidad. Cada presentación es un viaje sonoro que respira naturalidad, donde la música fluye con elegancia, precisión y alma.


🎹 La fusión: piano y bandurria, dos almas que dialogan

La unión de un piano de trazo pulcro y una voz dúctil —capaz de dar vida a cada texto y frase musical— con la arquitectura tímbrica y brillantez de la bandurria, genera un equilibrio perfecto entre delicadeza y carácter.
El piano y la voz de Olesya cuidan cada respiración, frase y matiz; la bandurria de Ángel aporta profundidad armónica, timbres cincelados con precisión y un fraseo arquitectónico fruto de su experiencia como intérprete, compositor y director musical.

Esta fusión instrumental permite abordar repertorios con riqueza expresiva y autenticidad, respetando la identidad de cada instrumento, pero construyendo un único discurso sonoro.


📚 Trayectoria artística y formación

  • Olesya Mishutchenko es pianista y soprano formada en conservatorios superiores de Ucrania y España, especializada en repertorio vocal de cámara y música antigua. Su interpretación destaca por la sensibilidad, el rigor técnico y su capacidad de conectar con el público.

  • Ángel Benito es bandurrista, compositor, arreglista y director con una destacada trayectoria en pedagogía musical, interpretación histórica y creación contemporánea. Su trabajo ha contribuido a la difusión y puesta en valor de la bandurria en contextos de concierto y cámara.

Ambos cuentan con experiencia en escenarios nacionales e internacionales, festivales, ciclos de música de cámara y proyectos pedagógicos, creando una propuesta artística fresca, rigurosa y emocionalmente cercana.


🎼 Repertorio: un puente entre épocas y estilos

El dúo diseña programas temáticos que viajan desde el Barroco hasta el Romanticismo, pasando por arreglos contemporáneos y creaciones originales.
Cada concierto está construido como una narración musical con notas introductorias, transparencia formal y emoción medida.

🎻 Algunos repertorios destacados incluyen:

  • Obras de Johann Sebastian Bach, Georg Friedrich Händel, Wolfgang Amadeus Mozart, Franz Schubert, Claude Debussy.

  • Adaptaciones de música vocal y camerística para piano y bandurria.

  • Obras propias y arreglos originales de Ángel Benito.

  • Programas pedagógicos y conciertos didácticos.


🌍 Un proyecto que trasciende el escenario

Amorem Resonare no es solo un dúo musical: es una propuesta artística y educativa que combina:

  • 🎭 Escena cercana, con elegancia y calidez.

  • ⚖️ Equilibrio dinámico y timbres únicos.

  • 📚 Talleres, clases abiertas y materiales divulgativos.

  • 📝 Investigación y creación de contenidos para su blog Notas y Silencios del Mundo.

💬 Nuestra intención a futuro es llevar esta música a más personas: ofrecer conciertos, eventos culturales, festivales, colaboraciones escénicas y actividades pedagógicas. Queremos compartir la belleza de la fusión entre piano y bandurria en escenarios grandes y pequeños, con públicos diversos.

🌐 Blog oficial: https://notasysilenciosdelmundo.blogspot.com


🎶 Inspiración sonora

🌙 Proyecto artístico de Ángel García Benito y Olesya Mishutchenko.
Amorem Resonare: el amor que suena entre teclas y cuerdas.



jueves, 11 de septiembre de 2025

FRANZ LIST (NOCTURNE)


 
Olesya Mishutchenko aborda el Nocturno nº 3 de Franz Liszt con un cantabile sedoso y rubato natural. Sus pianísimos suspenden el tiempo; los crescendos emergen con nobleza y control. Pedal transparente, articulación nítida y respiración musical que guía un clímax ardiente, concluyendo con serenidad luminosa y refinada profundidad expresiva, intimista.

3 PASODOBLES DE CONCIERTO: ADAPTACIONES PARA PLECTRO


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 3 pasodobles de Concierto

Hablar del pasodoble es hablar de España, de una tradición musical que ha
trascendido generaciones, fronteras y géneros. Su ritmo característico, basado en un
compás binario marcado y firme, ha acompañado desfiles, celebraciones y faenas
taurinas, pero también ha llenado las salas de concierto con un lenguaje musical tan
propio que, pese a su aparente sencillez, condensa la esencia de una identidad
colectiva. El pasodoble, en todas sus variantes, es un emblema sonoro que no solo
anima, sino que ennoblece, emociona y proyecta la riqueza cultural de un pueblo.
Aunque su origen hunde sus raíces en las marchas militares y en la tradición del paso
firme de los ejércitos, pronto adquirió personalidad propia en el ámbito civil y
festivo.


EL PASODOBLE EN EL PLECTRO





Tres Estudios Virtuosos para Mandolina o Bandurria: Técnica, Arte y Velocidad (ESTUDIOS DE BANDURRIA, Estudios didácticos.)


ESTUDIOS VIRTUOSOS
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La mandolina, con su timbre brillante y su capacidad para articular frases rápidas con precisión cristalina, ha sido durante siglos un vehículo de virtuosismo y expresión. En este volumen, el maestro Ángel García Benito nos invita a un recorrido técnico y musical a través de tres estudios contrastantes que combinan la agilidad digital, el refinamiento sonoro y la musicalidad más depurada.

Cada obra aquí presentada responde a un objetivo pedagógico concreto: desde la regularidad métrica y la limpieza en pasajes rápidos de “El Minuto o Tick-Tack”, hasta la fluidez y homogeneidad del toque en “Cateura”, culminando con la resistencia, precisión y control del “Le Vol du Colibrí”.

Este libro no es únicamente un material de estudio, sino un repertorio de concierto que exige del intérprete concentración, disciplina y una interpretación consciente del carácter de cada pieza. La intención es que el alumno no solo supere retos técnicos, sino que descubra su propio lenguaje musical. 




OBRA ORIGINAL PARA GUITARRA (ÁNGEL BENITO)


 

ÁNGEL BENITO (BANDURRIA SOPRANO)


 

ÁNGEL GARCÍA BENITO



                                                                                        

ÁNGEL GARCÍA BENITO


Sobre mí

Soy Ángel García Benito, profesor de guitarra y dirección, compositor-arreglista y divulgador musical. Nací en Madrid y vivo en Colmenar de Oreja, donde llevo años impulsando proyectos pedagógicos, editoriales y artísticos vinculados a la guitarra española y a las formaciones de pulso y púa. Mi trabajo se mueve entre el aula, el escenario y la investigación histórica, siempre con una idea fija: hacer que la música sea útil, emocionante y comprensible para todos.

Formación y especialización

Mi formación combina la práctica instrumental (guitarra, bandurria y dirección) con estudios pedagógicos y de musicología aplicada. He desarrollado un enfoque centrado en:

  • Técnica guitarrística y lectura mixta (partitura + tablatura).

  • Dirección de conjuntos (rondalla, orquesta de pulso y púa y ensembles de cámara).

  • Didáctica de la armonía orientada a instrumentistas de cuerda pulsada.

Obras y arreglos

Como compositor y arreglista, trabajo en dos líneas: repertorio original pedagógico y adaptaciones de concierto.

  • Estudios y piezas originales: Petit Jeux, Mazurka, Valse Facile, Aires de mi Andalucía, entre otros, concebidos con progresión técnica, objetivos claros y propuestas de digitación.

  • Arreglos para pulso y púa: selecciones barrocas y renacentistas (p. ej. Bourrée de De Visée, Gigue de Pachelbel, Pavana de Byrd) y repertorio popular y de salón.

  • Colecciones temáticas: pasodobles de concierto y suites didácticas con análisis técnico-artístico y guía interpretativa.

Publicaciones y libros

Combino creación musical con edición de materiales pedagógicos y proyectos de investigación histórica:

  • Métodos y cuadernos didácticos: Método de guitarra española (aprendizaje claro, visual y progresivo), estudios flamencos para bandurria (Soleares, Variaciones, Preludio) y cuadernos de técnica con tablatura como apoyo a la notación moderna.

  • Ensayo pedagógico: Armonía guitarrística (estructura por módulos, ejemplos aplicados, ejercicios y repertorio orientado a aula y concierto).

  • Historia y patrimonio: trabajos en curso sobre Colmenar de Oreja, con transcripción y adaptación de manuscritos (Catastro de Ensenada 1753, protocolos y testamentos), síntesis divulgativa y mapas/índices para el lector actual.

  • Literatura musical: relatos y novelas donde la música articula la trama y la construcción de personajes (línea de “romance musical” y “misterio histórico”).

Docencia y dirección

En el aula y en la tarima de director, mi metodología es práctica y medible:

  • Objetivos por sesión y rúbricas simples (técnica, sonido, ritmo, musicalidad).

  • Estrategias de estudio: micro-tareas, grabación de progreso y lectura a primera vista.

  • Dirección: planificación de ensayo con escucha activa, equilibrio tímbrico y fraseo colectivo.
    Cuando hace falta motivación extra, recurro a mi arma secreta: humor en compás de 2/4 (entra a tiempo y no se alarga).

Proyectos actuales

  • Serie de estudios progresivos para guitarra y bandurria con vídeos de apoyo.

  • Cuadernos de arreglos para orquesta de pulso y púa (partitura y particellas).

  • Dossiers históricos de Colmenar de Oreja (texto, glosarios, toponimia y cronologías).

  • Edición y maquetación de volúmenes listos para impresión y distribución digital.

Misión

Mi misión es conectar tradición y presente: conservar lo valioso, explicarlo con claridad y llevarlo al escenario y al aula con herramientas actuales. Si la música es un idioma, mi trabajo es darte gramática, vocabulario y acento… y alguna broma afinada para que el aprendizaje fluya.


Contacto y colaboraciones
Conciertos, arreglos por encargo, talleres, dirección de ensembles y proyectos editoriales. Si te interesa trabajar conmigo, estaré encantado de escucharte (literal y musicalmente).

 



OLESYA MISHUTCHENKO SMIRNOVA

OLESYA MISHUTCHENKO SMIRNOVA



                            

EXPERIENCIA ACADÉMICA

2023–2024 | Máster Universitario en Profesorado de 

Educación Secundaria Obligatoria y Bachillerato, 

Formación Profesional y Enseñanza de Idiomas –

Universidad Alfonso X El Sabio.

2016–2023 | Grado en Enseñanzas Artísticas 

Superiores de Música, especialidad Pedagogía – Real 

Conservatorio Superior de Música de Madrid.

1992–1996 | Educación musical en Infantil, Primaria 

y Secundaria – Escuela Pedagógica de Berdychiv 

(Ucrania).

Olesya Mishutchenko Smirnova inició su formación 

musical en Samara (Rusia), desarrollando una sólida 

base en interpretación y teoría. Posteriormente 

amplió sus estudios en Berdychiv (Ucrania), donde 

se especializó en educación musical aplicada a 

Infantil, Primaria y Secundaria, al tiempo que 

adquirió experiencia coral en la Catedral de San 

Nicolás. Ya en España, culminó su trayectoria 

académica en el Real Conservatorio Superior de 

Música de Madrid, obteniendo el grado en 

Pedagogía Musical, y más tarde el Máster en 

Profesorado en la Universidad Alfonso X el Sabio, 

consolidando así una formación integral y 

multicultural que respalda su amplia experiencia 

docente.

Jorge Luis Borges, 7, 4º D

Alcalá de Henares (Madrid)

657255888

mishutchenkoolesya@yaho

o.es

EXPERIENCIA LABORAL

2012–2025 | Profesora particular de piano, canto y 

lenguaje musical en distintos niveles.

2006–2010 | Profesora de Piano – Academia de 

Música de Berdychiv (Ucrania).

1998–2024 | Profesora de Música en Educación 

Primaria – Instituto nº5, Berdychiv (Ucrania).

1996–1998 | Profesora de Música en Primaria, 

Secundaria y Bachillerato – Instituto nº12, Berdychiv 

(Ucrania).

1996–2004 | Corista en la Catedral de San Nicolás de 

Berdychiv (Ucrania).

LIDERAZGO EN LA MÚSICA Y LA DOCENCIA

Olesya Mishutchenko Smirnova se ha consolidado 

como una referente en el ámbito musical gracias a su 

doble faceta de intérprete y docente. Como músico 

y corista ha demostrado sensibilidad artística y 

capacidad de trabajo en equipo; como profesora, 

ejerce un liderazgo pedagógico basado en la 

motivación, la disciplina y la cercanía, guiando a cada 

alumno hacia la excelencia. Su trayectoria en Rusia, 

Ucrania y España refleja no solo una sólida formación 

académica, sino también su capacidad de inspirar, 

dirigir y transmitir valores a través de la música, 

convirtiéndola en una líder reconocida dentro de su 

entorno profesional y humano.

IDIOMAS

Ruso (nativo), español (avanzado), inglés (nivel A2) 

QUIENES SOMOS?

Mis últimas obras musicales

Música Española                                                            https://amzn.eu/d/0e3mNAvQ   https://amzn.eu/d/01it78UX https://a...